Artistas

Grupo El Paso

Por: Macarena Cerros López

El Paso, es un grupo de artistas fundado en febrero de 1957, justo antes del cambio en el equipo de ministros del régimen franquista. Los autores fundadores fueron Manuel Millares, Luis Feito, Antonio Saura, Juana Francés, Manuel Rivera, Pablo Serrano y Antonio Suárez; a los que se unen, un año después, Manuel Viola y Martín Chirino junto con José Ayllón y Manolo Conde – críticos de arte estos dos últimos–. De forma errónea y, con frecuencia, se ha vinculado al artista Lucio Muñoz debido a su sensibilidad afín a los rasgos del grupo.

París fue la ciudad donde nacieron las iniciativas del Informalismo en los artistas españoles orientados hacia la vanguardia, además del impacto que en ellos causaron las exposiciones, realizadas en España, entre los años 1955 y 1957, a manos de los principales representantes de la abstracción informalista internacional. Cada uno de los componentes de este grupo ya se habían iniciado en la vanguardia mediante la abstracción geométrica con matices caligráficos líricos. Se querían ubicar en los orígenes del arte, conduciendo sus obras hacia formas primitivas, valorando, además, la materia.

 

Grupo El Paso en la inauguración del Museo de las Casas Colgadas
Fuente: http://www.elalmeria.es/ocio/Exposicion-Paso-Maria-Anson-Roquetas_0_1116488820.html

Este hecho explica la aparición de un grupo radical, unido por las mismas ideas a pesar de que, cada uno de ellos, dirigía su arte de manera individual; y, gracias a esa unión, alcanzaron una expresividad desgarrada –nueva orientación dentro del Arte Otro–.

El grupo que estamos tratando, poseía un rasgo común con la Generación del 98: carácter madrileño siendo sus integrantes de diferentes puntos del país.

Fuentes:
TUDELILLA, Chus (2009): El paso a la moderna intensidad, Castilla – La Mancha. 538
ALCOLADO CARNICERO, Ana Isabel (2003): La izquierda y los grupos artísticos de 1957 en España, Departamento de Historia del Arte, Proyecto de Investigación. Director: Dr. D. Julián Díaz Sánchez.

 

Artistas

José Luis Cuerda

Por: Sergio Díez Molero

José Luis Cuerda Martínez es un director y productor español nacido en Albacete el 18 de febrero de 1947. Fue estudiante de derecho hasta el tercer curso, donde decidió dedicarse a lo que realmente le gustaba, el cine.

Perteneció a lo que se llamó “la escuela de Argüelles”. Fue técnico de Radiodifusión y Televisión, programador y profesor de Realización Cinematográfica en el Instituto Español de Tecnología y durante cinco años realizó más de 500 reportajes y documentales.

Después de muchos cortometrajes y trabajos su primer largometraje y su gran debut como director fue en 1987 con “Pares y Nones”, que le situaría en el ámbito de los directores que cultivan la llamada “comedia madrileña”. Pero su éxito no llego hasta “El Bosque Animado”, en la que aparecía Alfredo Landa, y la película que le lleva a su nueva etapa de “humor absurdo” tan característico.

Su trabajo como realizador se consagra con la película “Amanece, que no es poco”, la cual recibió numerosas críticas por las dificultades de producción pero fue un éxito de ventas, aun así, estos problemas le llevaron a realizar una serie de películas irregulares durante unos años que acabo con su trabajo de director en “La Lengua de las Mariposas” la cual fue muy bien aceptada por parte del público igual que más tarde lo seria “Los Girasoles Ciegos”.

José Luis Cuerda
Fuente: http://www.españaescultura.es/es/artistas_creadores/jose_luis_cuerda.html

Hay que destacar también su papel de productor en películas como “Los Otros”, fue el quien descubrió a Alejandro Amenábar y a quien ayudo en su carrera de director, asi fue el guionista de numerosas de sus producciones.

Bastante involucrado con la política Juan participó en una serie de 32 cortos, un proyecto llamado “¡Hay Motivo!” en los cuales se criticaba al gobierno del Partido Popular, el objetivo de estos cortos según los propios participantes era apoyar y ayudar al Partido Socialista Obrero Español en el cambio de gobierno de las elecciones generales.

Para televisión dirigió la segunda temporada de la serie Makinavaja (1997), basada en el popular personaje creado por Ivà.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Luis_Cuerda
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1422/Jose%20Luis%20Cuerda
https://es.wikipedia.org/wiki/La_lengua_de_las_mariposas
http://www.eldiario.es/politica/cineasta-Jose-Luis-Cuerda-considera_0_198081020.html
Artistas

José Luis Sánchez

Por: Alba Rodríguez Iniesta

Nace en Almansa, provincia de Albacete, en1926. Desde pequeño estuvo rodeado de un buen ambiente económico ya que su familia pertenecía a la burguesía, pero esta se interrumpe cuando su padre tiene que buscar un nuevo trabajo en Madrid. Según cuenta el escultor, su afición al arte le venía gracias a su tío abuelo Adolfo Sánchez Mejías, director de la escuela de artes, que despertó en él la curiosidad por la pintura.

José Luis contaba con una gran facilidad para dibujar, siempre muy autodidacta, desde joven dibujaba y modelaba tallando madera con una navaja. Con 17 años se ve obligado a dejar el instituto y comenzar a trabajar para sustentar la economía familiar. Empieza a trabajar en una entidad bancaria pero al tener que compaginar también los estudios escoge Derecho, una carrera para la que no tenía vocación. Tiempo después, consigue entrar en la Escuela de Arquitectura, pero la dificultad más la dura jornada de trabajo le hace dejarlo. Finalmente aprobó los estudios de Derecho en una academia nocturna.

Aún así su devoción al arte seguía presente; contaba con numerosos amigos con los que iba a pintar ciudades cercanas a Madrid y pasaba mucho tiempo en el Museo del Prado y el Casón del Buen Retiro. Más tarde su grupo de amigos le aconsejará que asista a las clases del escultor Ángel Ferrant en la Escuela de Artes y Oficios, lo que marcará un punto decisivo en su vida.

José Luis Sánchez
Fuente: http://www.lne.es/sociedad-cultura/2011/10/15/medio-siglo-jose-luis-sanchez-escultor-imprescindible/1143009.html

Finalmente en los años 50, contando con la dura situación familiar y una carrera con enorme dificultad y con pocas posibilidades de trabajo, decidió aventurarse y seguir con su vocación. José Luis consigue una beca para estudiar en el extranjero y escoge como destino Italia. Más tarde también viaja a París para seguir formándose. Las obras que más le marcaron fueron las de Rodin, Moore y Picasso.

La primera exposición del escultor se celebra en abril de 1955 en el Museo del Prado, donde presenta a ‘Niña sentada’, diversas cabezas, dibujos y cerámicas. La exposición es bien recibida por la prensa. Además empieza a recibir encargos más importantes de la mano de arquitectos reconocidos, pidiéndole que le ayude en sus trabajos. También realizó encargos religiosos pero renovándolos a su manera. Uno de estos fue ‘La Virgen de la Correa’ en 1958.

En su obra, primero trabajó la escultura suspendida en el aire. Sus primeras esculturas abstractas estaban construidas de hierros, alambres y otros elementos de material parecido, pero estas piezas fueron efímeras ya que se destruyeron una vez exhibidas.

La primera escultura tallada que realiza es ‘Cabeza de los ojos azules’. En ella trabaja con cinceles metálicos con los que talla lentamente el trozo de escayola. Finalmente, el yeso es pulido, lijado y abrillantado. Durante esta época realiza más tallas de cabezas como la destacada ‘Cabeza del collar’. Llegará a tal punto que terminará haciendo retratos en bronce de su propia familia.

En una de esas cabezas que construye, esta vez con modelado en hueco, va a aparecer su primera escultura de cuerpo entero; ‘Niña sentada’. Sánchez le incorporará un cuerpo a la cabeza de niña que había realizado anteriormente dándose lugar a esta maravillosa escultura de escayola. Sus ojos están vacíos y recuerdan a las esculturas griegas que se realizaban en bronce. Esta realizada con una sencillez de formas, los brazos pegados al cuerpo y mirándonos con una sonrisa hierática y un halo de misterio.

José Luís recibe un encargo de su pueblo Almansa para celebrar el 300 aniversario de la Batalla de Almansa. La escultura fue colocada en una rotonda y la llamaron ‘La Paz Aupada’ ya que es una alegoría de unos brazos que alzan una paloma entre las manos. Para realizarla usó el acero corten. Primero realizó una serie de maquetas hasta que consiguió el proyecto final. Las piezas estaban hechas de hierro que se forraban de acero corten y después se soldaba todo mediante soldadura eléctrica para construir la escultura.

Fuentes:
BOZAL FERNÁNDEZ “Arte del siglo XX en España. Pintura y escultura 1900-1939”, vol., Summa Artis, Historia General del Arte, Espasa Calpe, Madrid, 2000.
Museo al aire libre de escultura contemporánea José Luís http://www.turismocastillalamancha.es/patrimonio/museo-al-aire-libre-de-escultura-contemporanea-jose-luis-12761/visita/
La escultura integrada de José Luis Sánchez http://www.abc.es/20100326/nacional-castilla-mancha-toledo/escultura-integrada-jose-luis-201003261755.html
 
Artistas

Benjamín Palencia

Por: Ruth Braojos

Benjamín Palencia (Barrax, 1894 – Madrid, 1980), dibujante y pintor manchego, fue una de las personalidades artísticas más relevantes del siglo XX en el marco del arte contemporáneo, dotando a su obra de un incuestionable estilo propio influenciado por las nuevas corrientes artísticas que se iban instalando en Europa a comienzos de siglo: las vanguardias. Un artista interesado en el arte de su momento, con un repertorio pictórico basado principalmente en la temática figurativa, en los retratos, y también los bodegones; pero sobre todo demostró una gran predilección por la naturaleza, por los paisajes castellanos, por lo puro. De lo más reseñable de su larga trayectoria fue la fundación de la Escuela de Vallecas en 1927, junto con el escultor toledano Alberto Sánchez.

Palencia comienza su aventura artística a la temprana edad de quince años, momento en el que se traslada a Madrid para asistir a clases de pintura impartidas por el maestro polímata Elías Tormo. Durante su joven aprendizaje, Palencia estudiará las obras de algunos de los grandes que ha dado nuestra cultura, como EL Greco, Velázquez o Goya.

En torno a 1909 realiza sus primeros óleos, apenas se conservan algunos, temprana edad en la que se denota el atrevimiento del joven artista. Sumado al autoaprendizaje y la huella personal, su obra va adquiriendo tintes realistas e impresionistas, dotada siempre de un rico colorido, como es la pintura del Atleta (1917), hombre en el que se observa una estudiada anatomía que le servirá de modelo para futuras figuraciones. Un año antes de este óleo Palencia participó el I Salón de Otoño de Madrid, momento también en el que, gracias a su amistad con el escritor Juan Ramón Jiménez, establecerá los primeros contactos del ámbito intelectual y artístico. Por su gran interés por indagar en la tierra que le rodea, en 1918 viajó al País Vasco, donde pintó una serie de paisajes como la Ría de Bilbao, o como también haría en Madrid con el paisaje urbano, La estación del Norte. En ellos la línea se aboceta, jugando con las tonalidades para dar más o menos luz a la escena, propio del impresionismo.

Autorretrato (1920)
Fuente: http://londres.cervantes.es/FichasCultura/Ficha88284_22_1.htm

Su trayectoria comienza a adquirir otra dimensión con la participación en la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos celebrada en Madrid en 1925, en la que la crítica española aclamó su obra. Durante estos años se empieza a vislumbrar en sus trabajos un creciente gusto por el movimiento cubista, debido a las tendencias artísticas que el pintor toma de las intermitentes estancias que realiza en París hasta 1928. Ejemplo es el Bodegón Cubista (1925), pintura en la que, sin dejar de lado el tema realista y costumbrista, se acompaña de la geometrización de las formas. De la experiencia parisina absorbe también algunos procedimientos plásticos, imprimiendo siempre su visión particular, y realiza lienzos de técnica mixta en los que combina el óleo, elementos matéricos como la tierra o la ceniza, y el collage, como se ve en el Retrato del escultor Alberto (1932).También en estos últimos años de los 20’, se atisban en sus óleos algunos rasgos del surrealismo que, según como dijo el propio pintor, no son producto de sus experiencias en París, sino consecuencia de su admiración por Dalí. Benjamín crea con mayor libertad expresiva, se va alejando, cada vez más, de las reglas preestablecidas.

Por otro lado, es 1927 cuando Palencia y Alberto se unen para crear la Escuela de Vallecas, con la premisa de aunar la tradición española con las vanguardias parisinas, sobre todo bajo la simbología del paisaje castellano. Años también en los que colaborará artísticamente para el Grupo de Teatro Universitario La Barraca, dirigido por Lorca.

La producción a partir de la década de los 30’ se inclina claramente hacia el surrealismo y la abstracción. Trabajos en los que Benjamín muestra su gusto por lo primigenio, lo prehistórico, con figuras extraídas de la cultura hispánica para disponerlas en el contexto rural castellano de forma onírica y realizados con materiales orgánicos, de la tierra, como se ve en Figuras (1931), Composición (1933) o Toros (1933).

Tras la Guerra Civil, periodo de crisis artística en el que Palencia permanece en Madrid, retoma la actividad de la Escuela de Vallecas, pero su estilo dará un giro brusco: vuelve a la figuración pero sin abstracción, a los retratos de campesinos, deja de lado el surrealismo, el cubismo, la experimentación. Los temas costumbristas, la naturaleza, el campo, siguen siendo protagonistas, pero sus obras durante estos años se inclinarán hacia las líneas del fauvismo, que busca el impacto cromático. Se advierte una gran carga emocional, formas con un mayor volumen de líneas suaves dentro de un marco más veraz, como se ve en su Cesta en el campo (1943), donde el objeto del primer término se mimetiza con su entorno, el protagonista real de la composición. A partir de 1946, y hasta prácticamente sus últimos años de vida, comienza ese estallido de color en sus obras, con paisajes irradiados por la luz de tonalidades inexistentes, como de igual modo ocurre con sus composiciones figurativas. Ejemplos como Niña sentada (1952), con cierto enfoque naif, o su ya tardío óleo Tierras rojas (1973), de tinte expresionista.

Son casi sesenta años de vida como pintor en los que Palencia buscó constantemente la renovación del arte de su tiempo, de su país, a través de las vanguardias. En su obra nunca faltó la manera personal en la que consideraba, y así plasmó, la tradición de su cultura, sobre todo con los paisajes castellanos llenos de sobriedad y belleza en la búsqueda de lo primigenio. En 1973 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, y cinco años más tarde recibió la medalla al mérito de Bellas Artes. En 1980 Benjamín Palencia fallecía en Madrid, a los 85 años, siendo considerado como de uno de los grandes paisajistas que ha dado nuestra cultura.

 

Fuentes:
GABRIEL Y GALÁN, SOLEDAD. Benjamín Palencia o el amor a la tierra. Cuadernos de Castilla-La Mancha, Madrid. Celeste Ediciones, D.L. 1993.
LÓPEZ CLEMENTE, GAMO SANZ. Benjamín Palencia y la pintura de su tiempo en Albacete (1909-1978). Instituto de Estudios Albacetenses “Don Juan Manuel”. Museo de Albacete, exposición 2015.
MARTÍNEZ MARTÍNEZ, MORAJADO ALONSO. Benjamín Palencia y el Arte Nuevo. Guía Didáctica. Ministerio de Educación y Cultura. Centro de Publicaciones, Secretaría General Técnica. 1996
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Portal web. Consultas: http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/benjamin-palencia-arte-nuevo-obra-1919-19364 http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/palencia-benjamin http://www.museoreinasofia.es/colección
Artistas

Antonio Saura

Por: Sandra Segovia García

Antonio Saura Atarés fue un pintor y escritor considerado uno de los mejores del siglo XX. Nació el 22 de septiembre de 1930 en Huesca y creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Su carrera artística comienza de forma autodidacta, exponiendo sus primeras obras en Zaragoza en 1950. En 1954 se traslada a París donde prueba técnicas surrealistas y de abstracción. En 1958, un par de años después de volver a España, realiza los retratos de Brigitte Bardot. Sus obras serán influenciadas sobre todo por Velázquez y Goya. También llevará a cabo litografías y serigrafías. Deja unos años la pintura hasta 1979 prosiguiendo con sus obras gráficas y a papel. En 1977, un año antes de su muerte, será nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha.

Antonio Saura
Fuente: http://www.auroravigil.com/es/saura/

Vivió en España durante la Guerra Civil Española y la Dictadura de Franco, por lo que el arte buscaba unas nuevas técnicas de expresión. Estos nuevos movimientos emergentes en su época se denominaban vanguardias, estas se aplicaron a todos los ámbitos, desde el arte hasta la política. El vanguardismo busca la libertad de expresión para tratar temas poco comunes. En el caso de la pintura de Antonio Saura rompe con las líneas, las formas, el espacio y los colores.

Saura comienza con la pintura surrealista, pero convierte en suya la abstracción expresiva. Esta, es una técnica espontánea con métodos creativos improvisados, con falta de estructura a la vez que ambigua; es decir, el artista lleva a cabo su creación de una manera impulsiva a través de los colores.

Antonio Saura utilizaba los colores negro y gris para reflejar su amargura y su descontento, sobre todo político y social. La gran mayoría de sus creaciones son una disección o reinterpretación de desnudos, crucifixiones y multitudes de sus principales influencias, Goya y Velázquez.

Una de estas obras es “El perro de Goya”, en el cual Saura consigue producir una cierta intranquilidad. En esta pintura solo localizamos la cabeza del perro, y dependiendo de la subjetividad del espectador esta se hunde o emerge. El autor pretendía con esta obra el espectador consiguiera conocer su soledad. En realidad, el perro no parece un perro sino un rostro deformado por manchas y borrones formando una cabeza monstruosa que llega a ser grotesca. El perro de Goya es la obra más representativa de Saura.

Otra de sus colecciones más conocidas son los “Retratos imaginarios”, sobre todo el de Brigitte Bardot. Con este cuadro comienza una de sus características más comunes, la ausencia de profundidad. La figura se alza como si de un tótem se tratase sobre un fondo homogéneo. Lo importante para Saura no es el parecido con el personaje real que está representando, sino la imagen mental que hemos imaginado.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Saura
https://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo
“Artelandia”: http://www.artelandia.com/es/artista/antonio-saura-biografia
“El País”: http://cultura.elpais.com/cultura/2013/04/19/actualidad/1366385089_411057.html
“Con el arte en los talones”: http://conelarteenlostalones.blogspot.com.es/2014/01/el-perro-de-goya-por-saura.html
“Fundación Juan March”: http://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=8&l=1

 

 

Artistas

Gregorio Prieto

Por: Carolina García Abad

Gregorio Prieto nació en Valdepeñas, hijo de Idelfonso, que era carpintero y su madre Froilana, aunque esta murió unos pocos años después. Su padre se volvió a casar, creando con esta segunda esposa un negocio.

Desde el principio Gregorio Prieto tenía una gran afición por la pintura, aunque era algo que su padre rechazaba. Inició estudios de ingeniería, aunque fracasó, por lo que decidió ponerse a trabajar mientras se preparaba para presentarse a un examen de acceso a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, tras aprobar dicho examen comenzó sus estudios en pintura a regañadientes de su padre.

Gracias a su talento comenzó a participar en exposiciones en 1919, en Madrid, donde conoció a poetas y pintores como Daniel Vázquez-Díaz o Aurelio Arteta.

Pero esta no fue su única exposición, comenzó a ser más conocido entre los pintores de la época, lo que le proporcionó una beca.

Gregorio Prieto
Fuente: http://www.españaescultura.es/es/artistas_creadores/gregorio_prieto.html

Cada vez su presencia en las exposiciones era más notable, y su agenda de amistades más larga de lo que él jamás había esperado, se rodeaba de poetas como García Lorca y Juan Ramón Jiménez, expuso algunas de sus obras en el Museo de Arte Moderno, en 1924, dándose así a conocer en toda España.

Gracias a la beca que consiguió se fue a estudiar a Paris, donde establece contacto con numerosos pintores españoles. Allí realizó retratos de figuras importantes del momento. Después acabó viajando a Roma, donde participó en la Sociedad de Amigos del Arte. Visitó ciudades como Nápoles, Palermo y Taormina entre otras, aumentado así su conocimiento sobre pintura, y promoviendo su pintura internacionalmente.

Viajo a Berlín, Oslo y Atenas, para realizar varias exposiciones, al igual que en su viaje al Cairo. Pero una vez había triunfado en el extranjero, decidió volver a España, a sus raíces, pero fue sorprendido por la Guerra Civil, aunque gracias a su residencia (temporal) en Inglaterra pudo escapar.

Finalmente, se instaló en Inglaterra permanentemente donde convivio con Luis Cernuda realizando decorados de La Zapatera Prodigiosa de García Lorca.

Aquí es donde pasa gran parte de su vida, realizando conferencias y exposiciones en las distintas ciudades de Inglaterra, y colabora con Shakespeare haciendo una serie de dibujos. Pero en el año 1948 decide volver a España, concretamente a su pueblo natal, a Valdepeñas.

Decide inaugurar su fundación que tiene tal éxito, que no solo la da a conocer en Valdepeñas, sino que también se instaura en Barcelona, Sevilla y Gibraltar. En Valdepeñas, es conocido como el “hijo predilecto”, en este momento es cuando decide abrir el Museo de la fundación Gregorio Prieto, cuya apertura data de 1968.

Los últimos años de su vida los dedica a exposiciones tanto dentro como fuera de España, publicó obras propias, y en el 1982 decidió inaugurar otro museo en Valdepeñas, pero esta vez sería el Museo de los Molinos de Valdepeñas. En el año 1990, Juan Carlos I, inaugura oficialmente la Fundación Gregorio Prieto, poco después es nombrado Académico Honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dos años después muere en Valdepeñas a sus 95 años.

Como hemos dicho hay varios museos de su fundación, donde podemos encontrar una amplísima exposición de su obra, y de artistas relacionados con él. En Castilla-La Mancha, podemos encontrar uno de estos museos en Valdepeñas, en su visita podemos ver distintas salas, en la planta baja, encontramos una sala que está constituida por una serie de grabados, en su mayoría realizados a aguatinta y aguafuerte; en esta misma planta hay una sala en la que se encuentran retratos de Cervantes y Shakespeare, junto a poemas y fragmento de la obra de ambos artistas, y pegada a esta sala encontramos una galería de dibujo en la que el artista realizo distintos retratos de figuras destacadas de su época, y por último, frente a esta sala, encontramos otra en la que hay pinturas con la temática española, pero en su gran mayoría se representan paisajes y objetos u elementos característicos de la mancha.

En la planta superior, encontramos una gran cantidad de salas, por un lado, tenemos toda una galería, que recorre el patio, donde encontramos distintas esculturas de arcángeles y collages del s.XX; mientras, en otra sala encontramos una faceta más impresionista de GP, cuyo objeto de representación más destacado fueron los paisajes. Y, para finalizar, hay una sala con el tema greco-latino.

Gregorio Prieto fue un gran artista, ya que, gracias a todos sus viajes, pudo formarse por la influencia de la pintura de distintos países, a pesar de que algunas obras fueron rechazas y criticadas por la mentalidad de la época, las publicó y ahora podemos admirar gran parte de ellas en sus museos de la Fundación Gregorio Prieto.

Fuentes:
Biografías y Vidas http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/prieto_gregorio.htm
Fundación Gregorio Prieto http://gregorioprieto.org/biografia/
Real Academia de las Bellas Artes de San Fernando http://www.realacademiabellasartessanfernando.com/es/actividades/exposiciones/gregorio-prieto-y-la-fotografia
Artistas

Miguel Fisac

Por: María Santos Parra

Para Miguel Fisac, la arquitectura es como “un trozo de aire humanizado”, en el cual se tiene como determinante el ambiente y paisaje en el que se crea un edificio. El desarrollo de la vida de estas construcciones no depende del avance tecnológico del momento en el que se edifiquen, sino en el instante que se origina un concepto espacial que pervive intacto en el tiempo y constituye la esencia del Hombre.

Fisac fue un arquitecto manchego nacido en 1913 en la localidad manchega de Daimiel, estudiando en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid y siéndole otorgado el premio de la Real Academia de San Fernando. Ganó varios concursos de los que podemos destacar el primer premio en el concurso del C.O.A.M. para viviendas mínimas o la Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte Sacro de Viena en 1954.

Miguel Fisac
Fuente: http://www.laopiniondezamora.es/benavente/2011/07/21/iglesia-bic-fisac/533291.html

Su visión del arte se centra en el subjetivismo y la capacidad de expresión de sentimientos en la obra de arte. Esta fórmula se produce con reflejo de la belleza en las construcciones ligada a la abstracción del espectador. Por lo tanto, a modo de deleite estético, la obra queda aislada frente a la persona y se realiza una interacción entre ambos. Esto se debe a la importancia que se otorga a la función del edificio, siendo necesario conocer las relaciones del hombre con el mundo que rodea. Se produce una fusión entre lo bello y lo útil, siendo aquello que intenta producir Fisac en sus obras. Este dota a los nuevos materiales de un nuevo valor debido a las numerosas oportunidades que conceden a la hora de elaborar una obra. Sin embargo, también utiliza materiales que son una clara influencia de la arquitectura popular regional.

Relaciona el lugar, la técnica y funcionalidad, dando una profunda concepción del mundo que une la existencia del hombre con su entorno. Y esta idea de perpetuidad la consiguió con el uso del hormigón, con el que logró grandes soluciones arquitectónicas, que junto a la tradición y novedad adecuará la arquitectura a las nuevas necesidades humanas.

Este arquitecto opinaba que al conectar al hombre con su ambiente y generar la arquitectura, se inclina al ser humano a reflexionar sobre su propia esencia y en general, sobre lo sobrenatural. Será conforme a esta creencia como creará otros espacios, aquellos espacios sagrados que se distinguirán del resto al ejercer “un efecto sensorial de lo Otro”. De esta manera, Fisac creará obras de carácter trascendental que reflejen los auténticos valores cristianos mezclados con la actualidad, como en el caso de “El Teologado de San Pedro Mártir” para los P.P. Dominicos en Alcobendas (Madrid), donde la iglesia no se encuentra en el centro del conjunto, dando una composición abierta y siendo el foco principal del contenido religioso. La estructura se forma con la disposición de diferentes pabellones y pasillos acristalados comunicados por medio de espacios abiertos y jardines, apareciendo la importancia que el artista concede a la naturaleza. El material principal es el ladrillo, habiendo alguna interacción de hormigón en el muro exterior circular que cierra la iglesia, en galerías y parte de los claustros.

En cuanto a la arquitectura civil podemos destacar los “Laboratorios Jorba” (1965), famosos por su torre denominada La Pagoda, demolida en 1999, proyectado en un principio como una de torre de oficinas. El edificio posee un cuerpo horizontal, formado por vigas huecas dobles y de marquesinas y elementos curvos que hacen que la atención sea captada por la torre.

De esta forma, Fisac juega con elementos naturales como la luz y el ambiente, surgiendo de aquí un código propio que genera grandes ejemplos de arquitectura contemporánea. En estas obras se produce una pura humanización del espacio arquitectónico que asocia el paisaje con la sensibilidad del hombre.

Fuentes:
FISAC, M.: Mi estética es mi ética, Museo Provincial, Ciudad Real, 1982.
FULLAONDO, D.: Miguel Fisac, Dirección General de Bellas Artes, Madrid, 1972.
MORALES SARO, M.C.: La arquitectura de Miguel Fisac, Colegio de Arquitectos, Ciudad Real, 1979. http://timberplan.es/obras-imprescindibles-de-miguel-fisac-el-arquitecto-del-hormigon. (Consulta 23/04/17)

 

Artistas

Miguel Prieto

Por: Irene Parra Gómez

Miguel Prieto Anguita es un artista español originario de Ciudad Real que centró su actividad artística en la pintura y el diseño gráfico, principalmente. Nació, para ser más concretos, en Almodóvar del Campo el 17 de noviembre 1907 y murió en La Ciudad de México el 12 de agosto de 1956. Aunque destacó en el campo de la pintura y el diseño gráfico, comenzó esculpiendo mientras estudiaba en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, llegando a exponer pronto sus obras en el salón del Ateneo de Madrid en 1931, fecha en la que tenía tan solo veinticuatro años. No obstante, no se limitó a la creación de arte plástico u escultórico sino que también tomó parte de grupos y actividades teatrales como las Misiones Pedagógicas, que tuvieron un importante papel en la difusión de la cultura en nuestro país a las masas iletradas y también a aquellos que no podían dedicar tiempo o dinero a representaciones teatrales de pago; participó en ellas junto a Diego Marín Molina, un filólogo y crítico algo más joven que él pero originario también de Ciudad Real. Creó del mismo modo un teatro de títeres llamado La Tarumba cuyas representaciones siguieron dándose hasta en las retaguardias de los diferentes frentes que participaron en la Guerra Civil. Ilustró libros (el Romanceo gitano de Lorca, entre muchos), trabajó como escenógrafo, fue responsable artístico de la revista Octubre dirigida por Rafael Alberti… Fue una importante figura de la cultura española que forma parte del grupo de la Edad de Plata gracias a sus actividades como pintor, ilustrador, escenógrafo y diseñador gráfico.

Retrato de Miguel Prieto por Juan Rejano (1947)
Fuente: http://visualplus-forteza.blogspot.com.es/2010/12/miguel-prieto-fundador-del-diseno-en.html

Estando exiliado, se centró más en la pintura y el diseño gráfico, por lo que sería más recordado después; al entrar en contacto con la cultura mexicana, su pintura se tornó más expresiva y viva y tomó influencias de la escena artística de la zona. Aprovechando ese tono más intenso de su pintura, decidió revivir sus recuerdos en España a través de escenas de la Guerra Civil que revivió con su arte, a menudo haciendo uso de alegorías que buscaban simplificar los hechos y a la vez plasmar su violencia y el estado de una lucha que él no consideraba terminada. Toda la última etapa de su vida y de su arte quedó marcada por esto mismo. Rescató la resistencia del pueblo español y la mezcló con la sensibilidad y la espiritualidad de México, y mientras que sus figuras parecían indomables, sus bodegones eran más delicados. La enorme influencia que tuvo en el arte de México, especialmente en el diseño gráfico, se justifican fácilmente gracias a su intensa actividad y lo prolífico de sus últimos años de vida; participó en revistas y periódicos, ilustró libros desde México (como La Celestina, de Fernando de Rojas) y se encargó de conducir la edición del Canto General de Pablo Neruda (entre otras obras del poeta).

Es difícil definir el código y el lenguaje que emplea Miguel Prieto Anguita en su arte, tanto en la pintura como en sus ilustraciones y sus diseños: era muy flexible y abarcaba tonos populares e inocentes, como el realismo político y la crítica social, pero también adquirió toques expresionistas y surrealistas en otras obras, rozando lo metafísico y lo reflexivo.

En su pintura destacan especialmente obras como La piel de toro (1943), Los lobos del capitalismo (1950) o La siesta / La soledad (1947), donde se puede apreciar el salto que hubo entre su estilo de pintura cuando aún vivía en España y cuando ya se exilió a México; son obras en las que juega con la luz para centrar la atención del espectador en los detalles y los personajes protagonistas, donde emplea los trazos del pincel, el volumen de la pintura y los colores, gustando por el alto contraste de colores, luz y sombras… Tenemos, por un lado, lobos oscuros y deformados que representan el capitalismo y que abren la boca hacia unas palomas que quedan a su alcance y que podrían simbolizar la moralidad y la paz; también nos han quedado de él las ilustraciones antifascistas, sus publicaciones en más de cuatro revistas; todas ellas nos acercan los desastres y las consecuencias que dejó tras de sí la guerra civil y su opinión personal sobre los hechos que se iban desarrollando en los tiempos que le tocó vivir.

Con todo, es un artista que durante toda su vida mostró un alto compromiso con la sociedad y la política de su época, que sufrió una guerra y el consecuente exilio por sus ideas contrarias al régimen franquista y que nunca dejó de expresarlas mediante el arte, que es lo que nos ha dejado como recordatorio moralizante, como crítica y como herencia.

 

Artistas

Ángel Andrade

Por: Andrea Roig Alcahuz

 Pintor y escultor que nació el 15 de marzo de 1866 en Ciudad Real. Fue un excelente pintor luminista, corriente comparada a la impresionista francesa, que cultivó, sobre todo, el paisaje sin figuras y la pintura de carácter costumbrista.

Durante su infancia llamo la atención de varios amigos de sus padres, que animaron a que lo apuntarán a clases de dibujo. Así, pasó a ser discípulo de Joaquín Ferrer, en la Escuela de Arte e Industrias de Madrid, el cual, le dejó pintar libremente, y donde encontró el ambiente que quería, pero tuvo que regresar a Ciudad Real porque sus padres no tenían medios suficientes para mantenerlo. A su vuelta a casa, decidió pedir una beca a la Diputación Provincial para continuar sus estudios, ya que quería ingresar en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de San Fernando, a la que no ingresaría hasta el año 1884. Tras finalizar los estudios en la Academia, volvió a solicitar la ayuda a la Diputación para poder realizar un viaje por Italia. La Diputación le concedió 2.000 pesetas para poder estudiar en Italia, para ello, realizó una copia del cuadro de Emilio Sola, La prisión del príncipe de Viana, y se comprometió a enviar un lienzo cada año.

Partió hacia Italia en 1888, y vivió en varias ciudades importantes de la península itálica. Durante este viaje realizó unos magníficos dibujos a lápiz. Aprovechó también su estancia en el norte de Italia para ir a la exposición de Múnich, donde quedó muy impresionado por la obra de Liebermann, iluminista alemán.

Ángel María Isidro Andrade Blázquez

Ángel Andrade
Fuente: http://www.ciudad-real.es/personajes/andrade.php

En 1890 se presenta a la Escuela Nacional de Bellas Artes con un lienzo de carácter social: El aniversario, con el que consigue el tercer puesto. Está obra destaca por una composición piramidal, un bello dibujo y un color austero.

Andrade es el encargado del asesoramiento decorativo y artístico del nuevo edifico de la Diputación de Ciudad Real durante esta época. En 1891 vuelve a Madrid, y tras recoger el premio de la Escuela Nacional de Bellas Artes, se marcha a Florencia donde estará un pequeño periodo de tiempo, y no será hasta 1895, cuando gana la plaza de pensionado en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Roma, que no vuelve a Italia. Allí convivirá en un agradable ambiente intelectual junto con otros artistas, y los maravillosos paisajes clasicistas le inspiraran.

A su vuelta a España, decide asentarse y solicitar las oposiciones de profesores de Dibujo para Institutos. Esto le permitió una estabilidad para no depender de los deseos de una clientela, y así pintar libremente. Durante este periodo de su vida pasa por varios institutos de España como: Tarragona, Badajoz y Toledo, en esta última permanece muchos años, hasta que cambia su plaza para regresar a su ciudad natal. Ya en Ciudad Real pasará el resto de su vida, hasta su muerte el 18 de noviembre de 1932.

Se podría decir que Andrade tiene dos etapas en su obra; el período de formación y el que dedica al paisaje. En esta primera etapa, se ve muy influenciado por grandes pintores de la historia. Así, toma la línea y el dibujo de los pintores florentinos; el color de los venecianos; la anatomía de Miguel Ángel; y el difuminado de Leonardo. Sin embargo, también presentará una técnica preneoclasicista próxima a la de Vien, que se ve representada en la obra: El idilio campesino. Por otro lado, se habla de un cierto parecido con Lautrec, en algunos carteles que realizó.

En su segunda etapa, usará el género social y la pintura costumbrista como excusa para plasmar los paisajes. Ya que será Carlos Haes, que ocupa la cátedra de Paisaje de la Escuela Espacial de Pintura, Escultura y Grabado de San Fernando tras la muerte de Villaamil en 1857, quién introduzca el paisaje en nuestro país. Haes procurará influir en sus discípulos, uno de los cuales es Andrade, que llegará a superarle en luminosidad.

Andrade consiguió ser un gran pintor de nuestro país, así lo demuestran algunos de sus premios como la tercera medalla de la Escuela Nacional de Bellas Artes de los certámenes de 1890 y 1895; segunda medalla por las obras Huérfanos y El Tajo en Toledo, 1906 y 1908; y la medalla de plata en la Exposición Internacional de Buenos Aires de 1910.

Fuentes:
López Salazar, C., Andrade, Diputación Provincial, Ciudad Real 1982.
Andrade Blázquez, Ángel, https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/andrade-blazquez-angel/55acbf54-2aa0-4d27-bf80-1d36f82a6a06 [consultado 25/04/2017]

 

Artistas

José García Ortega

Por: Jaime Zarca Díaz del Campo

José García Ortega fue un pintor y grabador que representó el Realismo Socialista de la posguerra española. Fue el fundador del colectivo Estampa Popular y se convirtió en uno de los participantes con más importancia. Nació en Arroba de los Montes, provincia de Ciudad Real, en el año 1921 pero a la edad de los ocho años se mudó a Madrid. Vivió en el barrio de las Delicias, y a los 13 años, hacía pintadas en los muros de su barrio. Un cáncer de hígado acabó con la vida del pintor el 24 de diciembre de 1990. Actualmente se encuentra enterrado en el cementerio de Montmartre de París, país donde falleció. Fue más conocido como Pepe Ortega, José Ortega o Pintor Ortega.

Fue militante del Partido Comunista de España, el cual estaba ilegalizado y su forma de pensar y sus actividades políticas, le llevaron a la cárcel y posteriormente al exilio. Su padre y su madre fueron los principales pilares para formar su filosofía e ideología. Pasó unos años bastante difíciles en los que trabajó para mantener a su familia y gracias a su esfuerzo y constancia, consiguió que su hermana estudiase Magisterio.

José García Ortega
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Garc%C3%ADa_Ortega

Cuando acabó la guerra civil, su padre entró en prisión y en Enero de 1947 después de que su padre hubiese cumplido condena, fue encarcelado el a 10 años de prisión por motivos políticos. En su estancia en la prisión, fue cuando verdaderamente empezó a prepararse como pintor y cuando salió de allí en 1952, recibió una beca del Gobierno francés para que pudiese estudiar en París. Cuando regresó a Madrid se reunió con un grupo de artistas, entre los cuales había poetas e intelectuales formando una especie de movimiento que propugnaba un realismo social en el arte. En 1958, debido a su interés por el grabado anteriormente, creó el grupo Estampa Popular, el cual indagaba en la expresión realista, a pesar de que se encontrase en pleno auge del arte abstracto.

En 1960 fue trasladado a Francia por su partido para evitar que se produjese su detención y ya en el extranjero, desarrolló una actividad n0table como artista y como perseguido político. Inició una nueva etapa decisiva en su vida en la que recorre China y Oriente absorbiendo diversos conocimientos para aumentar y mejorar sus técnicas y también para aprender las tradiciones antiguas de grabado. Posteriormente, vive unos años en Francia en los que hace amistad con Pablo Picasso y Santiago Carrillo y finalmente acabó viviendo en Italia. Regresó a España en 1977 y con la llegada de la Democracia a España, se presentó como candidato del PCE en la provincia de Ciudad Real. Durante toda su vida, tanto el cómo sus obras estuvieron acompañados de la polémica. Cuando volvió a España, sus primeras exposiciones fueron durante la época de la transición a la democracia en la cual no quería “herir susceptibilidades” y llevar a cabo esto, supuso la prohibición de multitud de obras que tenía almacenadas y preparadas para realizar una antología en su tierra natal. Los temas de ámbito político ocuparon la mayor parte de toda su trayectoria artística. A pesar de ser militante en el partido comunista, su visión sobre el realismo socialista siempre fue muy crítica.

“El realismo socialista es un término tan usado que no se sabe bien qué significa. Yo he luchado seriamente contra el academicismo realsocialista, y creo que es historia”, dijo José Ortega en una entrevista.

Podemos considerar que su obra es bastante amplia y una parte de toda su colección, podemos encontrarla depositada en el Centro de Exposiciones de la Diputación Provincial de Ciudad Real. Esta institución se inauguró en 1993 y comenzó con una exposición de José García Ortega en Noviembre del año 1993, siendo sólo una de las primeras series de actividades con las que mostrarían la gran calidad y que también serviría para dar a conocer el arte y la cultura en la propia provincia. Posteriormente editaron un catálogo y después organizaron una exposición de caracter itinerante en la que se podía apreciar la serie de grabados “Los segadores”, la cual es una de las series más representativas y significativas del autor.

Por último, en Arroba de los Montes, provincia natal del artista, llevaron a cabo la construcción de un museo que llevaba su nombre en 1998. En dicho museo, se mostraba una parte muy importante de toda la carrera artística de José Ortega, pero se sucedió un problema muy grave de humedad y este incidente supuso la retirada de las obras y el cierre espacio expositivo sin fecha determinada.

Fuentes:
http://arrobamontes.blogspot.com.es/2013/07/genealogia-del-pintor-y-grabador-jose.html Fecha de consulta: 17/02/17
http://elpais.com/diario/1990/12/27/cultura/662252406_850215.html Fecha de consulta: 17/02/17
http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/648427 Fecha de consulta: 16/02/17