Artistas

Pedro Almodóvar

Por: Adrián Blanco Gómez

Pedro Almodóvar nació en 1949 en el municipio ciudadrealeño de Calzada de Calatrava y se le conoce por ser uno de los directores más importantes de la historia del cine español. Es ganador de dos premios Óscar y de siete Goya, entre otros galardones. El universo cinematográfico de Almodóvar por regla general se centra en mostrar protagonistas femeninas que son las que suelen cargar con el peso de la historia, pero por supuesto tiene excepciones, con hombres como protagonistas (Hable con ella, La mala educación).

Uno de los elementos más comunes en las películas del manchego es el melodrama que acompaña a los personajes. Este melodrama se manifiesta en relaciones madre e hija (Tacones Lejanos, Todo sobre mi madre), en las relaciones entre mujeres de la misma edad (Volver), que en ciertos momentos puede llegar a rozar el absurdo debido a la atipicidad de los personajes (y de su desarrollo) que diseña el director, capaz también de representar la trama de una forma contenida, como es en el caso de su última película Julieta; el melodrama no es ni mucho menos inconveniente para que haya también pinceladas cómicas, pese a que el rencor que puedan mostrarse los personajes entre ellos, en ciertos momentos, sea palpable.1 Por lo general todas estas historias que hablábamos antes se producen en una familia de clase media, obrera, en la que muchas veces la madre debe de sacar hacia delante el hogar y a su hijo/a por la ausencia de un padre, ya sea desde el principio o no de la narración. A parte de amas de casa, Almodóvar también es asiduo de escribir personajes no tan convencionales como Drag Queens, transexuales o prostitutas, nunca por motivos sensacionalistas, siendo personajes muy poliédricos, con personalidades extravagantes pero también fundamentales para ayudar a los personajes principales, guardando como moraleja una fuerte carga crítica al patriarcado heterosexual.

Pedro Almodóvar
Fuente: http://www.elperiodico.com/es/noticias/ocio-y-cultura/entrevista-pedro-almodovar-viernes-estrena-pelicula-julieta-drama-seco-sobre-conflictos-familiares-con-adriana-ugarte-emma-suarez-5019767

Otro componente del cine de Almodóvar es el esperpento, popularizado por el autor Ramón Valle-Inclán y que ha influenciado en gran manera el universo almodovariano. El esperpento está reflejado en la estética del manchego, y se puede ver en varios recursos: Madrid es un ejemplo de esto, es el lugar en donde suelen ocurrir casi todas las películas del cineasta, y a través de la ciudad, Almodóvar hace una radiografía de la

sociedad española postfranquista a partir de la década de los ochenta, cómo el Madrid ochentero sirve como punto de congregación culturar para personas de todos los puntos del país que buscan la vida desenfadada y repleta de vicios que la Movida Madrileña ofrecía en esos años, reflejado en algunas de sus primeras películas (Pepi, Luci, Bom o Laberinto de pasiones); el esperpento también se palpa en la forma que Almodóvar trata el tema de la sexualidad, deformando muchos esquemas clásicos como la identidad sexual (La piel que habito), parodiando las cualidades sexuales de los personajes (Entre Tinieblas), todo con el intento de construir nuevos arquetipos eróticos en donde el factor cultural tiene mucho peso.3

El componente de la narración es otro de los que más peso tiene para Almodóvar, bien por ello él se encarga no solo de la dirección sino también de la escritura del guion y de la ambientación. El director se preocupa en mostrar con el juego del lenguaje de sus personajes sus ideas personales, como el sentido de la burla en muchas situaciones o individuos, un caso de estos son los nombres de Paul Bazzo o Andrea Caracortada en la película Kika. La ambientación que antes comentábamos se ve en la conformación de los espacios cerrados, casi siempre de colores vivos y tonos cálidos como el rojo, el rosa, el amarillo, etc. La forma en la que van vestidos y maquillados los actores también son usados para redondear el concepto del decorado. Del mismo modo que el director mezcla en sus películas el humorismo con lo dramático, también combina lo ordinario con lo refinado, lo extravagante y lo corriente, la felicidad y la angustia…todo para retratar momentos inusuales que solamente él es capaz manejar para que tengan sentido. Almodóvar construye su propia realidad a base de relatos inverosímiles dentro de un mundo, en teoría, cotidiano, y por ello muestra tanto interés en los detalles de las cosas reconocibles, para así hablar mediante las imágenes del mismo modo que con las palabras.

La música es otro de los principios fundamentales de las películas de Almodóvar; digno de mención es el compositor Alberto Iglesias, que desde el estreno en 1995 de La flor de mi secreto ha compuesto todas las bandas sonoras del director, sinfonías que cubren escenas que hablan por los personajes, y que Almodóvar utiliza para que la historia gane profundidad y emocionalidad.

Fuente:
ZURIÁN & VÁZQUEZ VARELA, F A. & C., Almodóvar: el cine como pasión, España, Ed. UCLM, 2005.
Artistas

Luis Marco Pérez

Por: Jorge Fernández Martínez

Se trata de un escultor imaginero, Nacido en Fuentelespino de Moya de la localidad de Cuenca en 1896, y fallece en el año 1983. Con doce años se traslada a valencia, su afán por las artes y su interés por la madera le viene desde niño tras ver a su padre trabajar en su taller de carpintero, por lo que obtiene una beca que le permite estudiar en Madrid, donde trabajó con grandes escultores. En los años de la guerra civil española fue profesor de la Escuela de Artes y Oficios de Cuenca. También daría clases en Valencia, Madrid y Valladolid.

En 1922 gana la 3ª medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid con la obra “El alma de Castilla es el silencio en Cuenca”. Decide realizar un viaje visita Italia para estudiar a los clásicos y renacentistas. En 1924 presenta otras dos obras a la Exposición Nacional del Círculo de Bellas Artes de Madrid, el “Filosofo de Uclés” y el “Idilio Ibérico”. Con una influencia italiana por lo que recibe la 2ª medalla del certamen. En 1926 gana la 1ª medalla de la Exposición del Círculo de Bellas Artes de Madrid con su obra “El hombre de la Sierra”. En 1930 recibe el mayor galardón otorgado por el Círculo de Bellas Artes de Madrid a un artista, la Medalla de Oro por la obra “El pastor de las Huesas del Vasallo”

Tras ello se centro en trabajar en su tierra, por lo que realiza sus dos mayores obras para la semana santa de cuenca: la santa cena y un descendimiento que desaparecen en la guerra civil española.

Tras la guerra se traslada a Madrid donde establece su taller artesano de imagineria, donde apartir de los años 40, le encargan la reconstruccion de todos los pasos perdidos en la guerra entre los que se encuentran su santa cena y el descendimiento, además de realizar multiples obras a lo largo de su vida para ciudades de gran parte de España, Cuenca, Ciudad Real, Albacete, Madrid, Alicante, Valencia, y serán las mejores de su producción artística. Un dato curioso es que las anetriores a la guerra no las policromaba ya que no era de su gusto, decía que afirmaba encontrar la belleza en la madera virgen sin carnaciones y policromías, pero para los pasos de semana santa tubo que ceder por los encargos de las cofradías siendo todas ellas policromadas.

Luis Marco Pérez
Fuente: http://luismarcoperez.blogspot.com.es/

Las imágenes de los pasos procesionales de cuenca que hoy se conservan son: «La Virgen de las Angustias», «San Juan Evangelista», «Nuestro Padre Jesus Nazareno del Salvador», «Jesús entrando en Jerusalem», «San Juan Bautista», «Ecce-Homo de San Andres», «Jesús de Medinaceli», «Soledad del Puente», «Cristo de Paz y Caridad», «San Pedro», «Cristo de los Espejos», «El Descendimiento», «La exaltación», «Cristo Yacente», «La oración del Huerto de San Esteban», «El beso de Judas», «La Virgen de la Amargura con San Juan Apóstol», «Jesús Amarrado a la columna», «Jesus Caído y la Verónica»

la de Ciudad Real: Oración en el Huerto, Nuestro Padre Jesús Caído, Santísimo Cristo del Perdón y delas Aguas, Santo Descendimiento, Nuestra Señora de las Angustias y Nuestra Señora de la Soledad, Tarancón, Mota del Cuervo: Ntro. Padre Jesús Nazareno, Stmo. Cristo del Perdón, Stmo. Cristo de la Lanzada y Cristo Yacente, Elche La Flagelación, Madrid: “Cristo de Las Misericordias y El Perdón” y “Cristo Yacente.

Fuente:
http://luismarcoperez.blogspot.com.es/p/biografia.html
Artistas

Juan Ruiz de Luna

Por: David Soler Romero

Juan Ruiz de Luna es un ceramista considerado como uno de los más importantes del siglo XX y sus obras son la mejor representación de la artesanía Talaverana. Nació en 1863 en Noez, un pueblo de Toledo, donde vivió hasta los 17 años que fue cuando se trasladó a Talavera de la Reina para poder trabajar en un taller de decoración que era propiedad de su hermano.

En 1907 tuvo lugar una exposición en Talavera donde el ceramista andaluz Enrique Guijo comenzó a tener interés por la cerámica de Ruiz de Luna lo que dio lugar en 1908 a una sociedad artística para que se volviera a dar importancia la cerámica Talaverana de los siglos XVI y XVII que fue cuando tuvo su máximo esplendor.

Cuando se instaló en Talavera fue cuando se convirtió en un experto en la elaboración de la cerámica antigua junto con la investigación de nuevas creaciones.

En 1911 obtuvo su primer premio ganando la medalla de oro en la exposición general de artes aplicadas y decorativas con un gran retablo de estilo renacentista el cual se conserva en el museo de Talavera el cual lleva su nombre. Más tarde continuó su trayectoria profesional en solitario. Esto es debido a que se rompe la asociación que tenía con Guijo en 1915.

Juan Ruíz de Luna
Fuente: http://www.lovetalavera.com/juan-ruiz-de-luna/

En 1923 fue nombrado académico de la real academia de bellas artes y ciencias históricas de Toledo y tres años más tarde, en 1925, fue nombrado caballero de la orden civil de Alfonso XII nombrado por el rey Alfonso XIII.

La cerámica de Juan Ruiz de Luna tiene unas características muy marcadas como son el refinamiento de sus diseños y la perfecta cocción y el acabado de las piezas. En cuanto a la iconografía fue evolucionando a lo largo del tiempo. En sus primeras obras tenían modelos clásicos las cuales tenían escenas de caza, animales y decoración vegetal y religiosa. En cuanto a los colores también fue variando. Comenzó con dos colores, el blanco y el azul y posteriormente añadió el amarillo lo cual se convirtió en un sello característico del artista. La mayoría de las obras de Juan Ruiz de Luna pertenecen al patrimonio del ejército.

Mientras tanto, en Europa, se estaba produciendo un resurgimiento de la cerámica lo cual el artista adecuó a sus obras. En sus obras utilizó técnicas de la cerámica antigua donde recuperó diseños que ya estaban casi extintos y los actualiza a una tradición artesanal desde el siglo lo que se consiguió que recuperará el prestigio.

Fallece en 1925 y su fábrica echó el cierre en 1961. Consiguió un gran prestigio en la cerámica contemporánea de Talavera.

Principales encargos.

Al ganar tanto prestigio otros encargos fueron hechos por el ejército y entre todo el patrimonio que posee tienen obras de Juan Ruiz de Luna entre los que destacan la sala de tres regimientos de artillería la cual se encuentra Segovia, en Mérida y en Ciudad real . En Badajoz se encuentra un regimiento de infantería y la obra en el aeródromo de León.

Las obras de Mérida y León se tratan de zócalos las cuales presentan una ornamentación y cromatismo similar. La de Ciudad real se trata de un zócalo y una imagen de Santa Bárbara la cual se sitúa en el rectorado de la Universidad de Castilla-La Mancha. La de Segovia está formada por varias piezas y la de Badajoz se trata de un zócalo la cual está prácticamente desaparecida. Las obras de León y Ciudad real son las únicas que se encuentran en su emplazamiento original mientras que las demás ha sido cambiadas de lugar o restauradas. Todas las piezas se encuentran en muy buenas condiciones salvo la sala del estandarte de Badajoz la cual está prácticamente desaparecida.

 

Fuentes:
González de Caldas Paniagua, J. Mª., La cerámica de J. Ruiz de Luna en los ejércitos, 2012.
http://www.retabloceramico.net/bio_ruizdelunarojasjuan.htm
http://elsayon.blogspot.com.es/2012/12/hoy-4-de-diciembre-santa-barbara.HTML

 

Artistas

Cristina García Rodero

Por: Alicia Fernández Muñiz

Cristina García Rodero es una fotógrafa que nació el 14 octubre de 1949, en Puertollano, Ciudad Real, España. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Estuvo trabajando como profesora en la Escuela de Artes dando clases de dibujo. Decidió dedicarse a la fotografía por la fuerza que posee “para comunicarte con lo que tienes delante”, especialmente a la fotografía popular y de fiestas tradicionales, religiosas o paganas, empezó en España, pero acabó por todo el mundo tomando momentos únicos. Ha conseguido ser la primera española en poder trabajar para la agencia Magnum en 2005, y en el 2009 fue miembro oficial de la agencia.

Ha viajado por todo el mundo en busca de otras culturas con tradiciones únicas. Durante cuatro años, estuvo yendo a Haití, dónde pudo documentar rituales de vudú, con retratos y escenas de movimiento, expuso este trabajo en el Venice Biennale en el 2001.

Cristina García Rodero
Fuente: http://www.jotdown.es/2013/07/cristina-garcia-rodero-cuando-salgo-a-la-calle-no-veo-nada-sin-embargo-cuando-cojo-la-camara-suceden-muchas-cosas/

Entre sus trabajos se encuentra una exposición llamada “Con la boca abierta”, con más de cincuenta imágenes de treinta mil que tomó. Rodero quiso hacer una colección de las personas retratas con la boca abierta, porque dice que los ojos transmiten mucho, pero la boca dice más aún, como gritos de dolor o alegría, bostezos, riendo, sorprendidos, etc. Son fotografías de los años 40 hasta la actualidad.

Rodero ha ganado muchos premios, entre ellos, en 1989 ganó el premio al Mejor Libro de Fotografía, en el festival de fotografía de Arlés, Francia; en 1996, el Premio Nacional de Fotografía de España; en 2005, ganó la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, y muchos más. Además, en 2017, recibirá el nombramiento Doctora Honoris Causa de la Universidad de Castilla-La Mancha, por su papel como embajadora del ámbito de las Humanidades en el mundo de la comunicación, creación e investigación visual.

 Fuentes:
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/02/18/actualidad/1361219017_434077.html Fecha de consulta: 24/4/2017.
http://pro.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_9_VForm&ERID=24KL53Z0AE Fecha de consulta: 24/4/2017. Agencia Magnum.
http://roma.cervantes.es/FichasCultura/Ficha112021_33_1.htm Fecha de consulta: 24/4/2017. Instituto Cervantes.
h
ttps://www.uclm.es/noticias/abril2017/cuenca/consejogobierno_cu_17 Fecha de consulta: 24/4/2017. UCLM.

 

 

Artistas

Antonio López García

Por: Lara Galán Martínez

En su bibliografía lo primero por lo que tenemos que decir es que Antonio López García nació en la ciudad de Tomelloso en 1936. Viene de una familia de labradores y siendo el mayor de los cuatro hermanos por lo que no siguió la tradición familiar, sino que animado por su tío, se dedicó a la pintura ya que este desde su infancia ya demostrada una gran destreza con el dibujo.

Por parte de su tío recibió una pequeña formación para que se interesase y se introdujese en el mundo del dibujo, aunque en el año 1949 se trasladó a Madrid a estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En esta academia estudió durante cinco años, más concretamente hasta 1955, donde en esta etapa formo un grupo de artistas realistas de esta misma Academia. Una vez acabados estos estudios, gracias a una beca del Ministerio viajó a Italia y por este viaje hay un gran reflejo de pintura italiana en sus obras.

Por todo lo anteriormente mencionado, su vida transcurre entre las ciudades de Tomelloso y Madrid hasta 1960. Pero en el año 1961 se casa con la pintora María Moreno con quien tiene dos hijas. Otra atapa de este autor es la etapa en la que imparte clases como profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la que había sido su antigua academia, la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Antonio López García
Fuente: http://www.artdiscover.com/es/artistas/antonio-lopez-garcia-id3429

Como ya he mencionado anteriormente, debido a su viaje a Italia   en sus primeras obras se puede observar como tienen una clara influencia del quattrocento, sobre todo esto se ve en los volúmenes de los personas. De esta época la obra que mas destacaría sería “Josefina leyendo”.

Después de este viaje a Italia y tras quedar un poco decepcionado por las obras maestras de este país, empezó a tener en consideración las obras clásicas españolas, ya que era un fiel seguidor del Museo del Prado y sobre todo del autor Diego Velázquez.

También tiene un gran interés por las obras de Cézanne y sobre todo por el cubismo aunque en el caso de este autor los temas donde los desarrolla son en el entorno de Tomelloso, ya que es familiar para él.

Este autor pasa por otras de las fases en su pintura donde las obras de Salvador Dalí adquieren un gran protagonismo e influencia, por lo que toma de estas la realidad que muestra y el predominio de la pintura sobre el dibujo. Por lo que a partir del año 1967 las obras que realice tendrán un aire surrealista con objetos y figuras que flotan en el espacio. Los trabajos en esta temática surrealista se dan hasta 1964, donde culmina con otra de sus obras de gran importancia “Atocha”.

Pero a partir de 1960 deja de utilizar este estilo surrealista para pasar a un estilo más realista con temas cercanos a su entorno y hechos de la vida cotidiana, los personajes principales de sus obras pasarían a ser tanto su mujer como sus hijas. La pincelada en esta etapa pasa a ser muy detallista hasta un punto que es casi fotográfica y otros temas que también utiliza mucho en esta época son o los elementos sacados de la naturaleza y las vistas de la ciudad de Madrid. Algunos ejemplos de esta época son los más destacados como “Gran Vía” o “Madrid desde Torres Blancas”.

Una de las curiosidades de este autor es que si manera de pintar es de gran lentitud, pero siempre en una búsqueda exhaustiva de la esencia del objeto que va a representar. Por lo que sus obras se alargan en una duración de varios años, aunque también hay que destacar que son retocadas en repetidas ocasiones a lo largo de su proceso ya que hasta que no lo considera perfecto para él la obra no está finalizada. Por lo que este autor tiene por todo esto una forma peculiar de pensar ya que para él “una obra nuca se acaba, sino que se llega al límite de sus propias posibilidades”.

Este autor no sólo es artista por sus obras pictóricas, sino que también es escultor, realizando unas esculturas con gran verismo, una de sus obras más importantes dentro de la escultura de este autor sería “Hombre y mujer”.

Como conclusión es importante mencionar que Antonio López García es uno de los mayores representantes del realismo contemporáneo español con una obra realista, pero a través siempre de un proceso de investigación de la misma. Por lo que se le nombre padre de la escuela hiperrealista madrileña, ya que sus obras han influenciado a numerosos artistas.

Además este autor ha conseguido numeras condecoraciones a lo largo de su etapa artista por sus obras, dos de las más importantes serían en 1985 el Premio Príncipe de Asturias y en el año 1993 miembro de la Real Academia de San Fernando, donde en esta fue tanto alumno como profesor.

Fuentes:
http://static.artdiscover.com/img/artist/3429_l.jpeg https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_L%C3%B3pez_Garc%C3%ADa http://www.arteespana.com/antoniolopezgarcia.htm

 

Artistas

Grupo El Paso

Por: Macarena Cerros López

El Paso, es un grupo de artistas fundado en febrero de 1957, justo antes del cambio en el equipo de ministros del régimen franquista. Los autores fundadores fueron Manuel Millares, Luis Feito, Antonio Saura, Juana Francés, Manuel Rivera, Pablo Serrano y Antonio Suárez; a los que se unen, un año después, Manuel Viola y Martín Chirino junto con José Ayllón y Manolo Conde – críticos de arte estos dos últimos–. De forma errónea y, con frecuencia, se ha vinculado al artista Lucio Muñoz debido a su sensibilidad afín a los rasgos del grupo.

París fue la ciudad donde nacieron las iniciativas del Informalismo en los artistas españoles orientados hacia la vanguardia, además del impacto que en ellos causaron las exposiciones, realizadas en España, entre los años 1955 y 1957, a manos de los principales representantes de la abstracción informalista internacional. Cada uno de los componentes de este grupo ya se habían iniciado en la vanguardia mediante la abstracción geométrica con matices caligráficos líricos. Se querían ubicar en los orígenes del arte, conduciendo sus obras hacia formas primitivas, valorando, además, la materia.

 

Grupo El Paso en la inauguración del Museo de las Casas Colgadas
Fuente: http://www.elalmeria.es/ocio/Exposicion-Paso-Maria-Anson-Roquetas_0_1116488820.html

Este hecho explica la aparición de un grupo radical, unido por las mismas ideas a pesar de que, cada uno de ellos, dirigía su arte de manera individual; y, gracias a esa unión, alcanzaron una expresividad desgarrada –nueva orientación dentro del Arte Otro–.

El grupo que estamos tratando, poseía un rasgo común con la Generación del 98: carácter madrileño siendo sus integrantes de diferentes puntos del país.

Fuentes:
TUDELILLA, Chus (2009): El paso a la moderna intensidad, Castilla – La Mancha. 538
ALCOLADO CARNICERO, Ana Isabel (2003): La izquierda y los grupos artísticos de 1957 en España, Departamento de Historia del Arte, Proyecto de Investigación. Director: Dr. D. Julián Díaz Sánchez.

 

Artistas

José Luis Cuerda

Por: Sergio Díez Molero

José Luis Cuerda Martínez es un director y productor español nacido en Albacete el 18 de febrero de 1947. Fue estudiante de derecho hasta el tercer curso, donde decidió dedicarse a lo que realmente le gustaba, el cine.

Perteneció a lo que se llamó “la escuela de Argüelles”. Fue técnico de Radiodifusión y Televisión, programador y profesor de Realización Cinematográfica en el Instituto Español de Tecnología y durante cinco años realizó más de 500 reportajes y documentales.

Después de muchos cortometrajes y trabajos su primer largometraje y su gran debut como director fue en 1987 con “Pares y Nones”, que le situaría en el ámbito de los directores que cultivan la llamada “comedia madrileña”. Pero su éxito no llego hasta “El Bosque Animado”, en la que aparecía Alfredo Landa, y la película que le lleva a su nueva etapa de “humor absurdo” tan característico.

Su trabajo como realizador se consagra con la película “Amanece, que no es poco”, la cual recibió numerosas críticas por las dificultades de producción pero fue un éxito de ventas, aun así, estos problemas le llevaron a realizar una serie de películas irregulares durante unos años que acabo con su trabajo de director en “La Lengua de las Mariposas” la cual fue muy bien aceptada por parte del público igual que más tarde lo seria “Los Girasoles Ciegos”.

José Luis Cuerda
Fuente: http://www.españaescultura.es/es/artistas_creadores/jose_luis_cuerda.html

Hay que destacar también su papel de productor en películas como “Los Otros”, fue el quien descubrió a Alejandro Amenábar y a quien ayudo en su carrera de director, asi fue el guionista de numerosas de sus producciones.

Bastante involucrado con la política Juan participó en una serie de 32 cortos, un proyecto llamado “¡Hay Motivo!” en los cuales se criticaba al gobierno del Partido Popular, el objetivo de estos cortos según los propios participantes era apoyar y ayudar al Partido Socialista Obrero Español en el cambio de gobierno de las elecciones generales.

Para televisión dirigió la segunda temporada de la serie Makinavaja (1997), basada en el popular personaje creado por Ivà.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Luis_Cuerda
http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1422/Jose%20Luis%20Cuerda
https://es.wikipedia.org/wiki/La_lengua_de_las_mariposas
http://www.eldiario.es/politica/cineasta-Jose-Luis-Cuerda-considera_0_198081020.html
Artistas

José Luis Sánchez

Por: Alba Rodríguez Iniesta

Nace en Almansa, provincia de Albacete, en1926. Desde pequeño estuvo rodeado de un buen ambiente económico ya que su familia pertenecía a la burguesía, pero esta se interrumpe cuando su padre tiene que buscar un nuevo trabajo en Madrid. Según cuenta el escultor, su afición al arte le venía gracias a su tío abuelo Adolfo Sánchez Mejías, director de la escuela de artes, que despertó en él la curiosidad por la pintura.

José Luis contaba con una gran facilidad para dibujar, siempre muy autodidacta, desde joven dibujaba y modelaba tallando madera con una navaja. Con 17 años se ve obligado a dejar el instituto y comenzar a trabajar para sustentar la economía familiar. Empieza a trabajar en una entidad bancaria pero al tener que compaginar también los estudios escoge Derecho, una carrera para la que no tenía vocación. Tiempo después, consigue entrar en la Escuela de Arquitectura, pero la dificultad más la dura jornada de trabajo le hace dejarlo. Finalmente aprobó los estudios de Derecho en una academia nocturna.

Aún así su devoción al arte seguía presente; contaba con numerosos amigos con los que iba a pintar ciudades cercanas a Madrid y pasaba mucho tiempo en el Museo del Prado y el Casón del Buen Retiro. Más tarde su grupo de amigos le aconsejará que asista a las clases del escultor Ángel Ferrant en la Escuela de Artes y Oficios, lo que marcará un punto decisivo en su vida.

José Luis Sánchez
Fuente: http://www.lne.es/sociedad-cultura/2011/10/15/medio-siglo-jose-luis-sanchez-escultor-imprescindible/1143009.html

Finalmente en los años 50, contando con la dura situación familiar y una carrera con enorme dificultad y con pocas posibilidades de trabajo, decidió aventurarse y seguir con su vocación. José Luis consigue una beca para estudiar en el extranjero y escoge como destino Italia. Más tarde también viaja a París para seguir formándose. Las obras que más le marcaron fueron las de Rodin, Moore y Picasso.

La primera exposición del escultor se celebra en abril de 1955 en el Museo del Prado, donde presenta a ‘Niña sentada’, diversas cabezas, dibujos y cerámicas. La exposición es bien recibida por la prensa. Además empieza a recibir encargos más importantes de la mano de arquitectos reconocidos, pidiéndole que le ayude en sus trabajos. También realizó encargos religiosos pero renovándolos a su manera. Uno de estos fue ‘La Virgen de la Correa’ en 1958.

En su obra, primero trabajó la escultura suspendida en el aire. Sus primeras esculturas abstractas estaban construidas de hierros, alambres y otros elementos de material parecido, pero estas piezas fueron efímeras ya que se destruyeron una vez exhibidas.

La primera escultura tallada que realiza es ‘Cabeza de los ojos azules’. En ella trabaja con cinceles metálicos con los que talla lentamente el trozo de escayola. Finalmente, el yeso es pulido, lijado y abrillantado. Durante esta época realiza más tallas de cabezas como la destacada ‘Cabeza del collar’. Llegará a tal punto que terminará haciendo retratos en bronce de su propia familia.

En una de esas cabezas que construye, esta vez con modelado en hueco, va a aparecer su primera escultura de cuerpo entero; ‘Niña sentada’. Sánchez le incorporará un cuerpo a la cabeza de niña que había realizado anteriormente dándose lugar a esta maravillosa escultura de escayola. Sus ojos están vacíos y recuerdan a las esculturas griegas que se realizaban en bronce. Esta realizada con una sencillez de formas, los brazos pegados al cuerpo y mirándonos con una sonrisa hierática y un halo de misterio.

José Luís recibe un encargo de su pueblo Almansa para celebrar el 300 aniversario de la Batalla de Almansa. La escultura fue colocada en una rotonda y la llamaron ‘La Paz Aupada’ ya que es una alegoría de unos brazos que alzan una paloma entre las manos. Para realizarla usó el acero corten. Primero realizó una serie de maquetas hasta que consiguió el proyecto final. Las piezas estaban hechas de hierro que se forraban de acero corten y después se soldaba todo mediante soldadura eléctrica para construir la escultura.

Fuentes:
BOZAL FERNÁNDEZ “Arte del siglo XX en España. Pintura y escultura 1900-1939”, vol., Summa Artis, Historia General del Arte, Espasa Calpe, Madrid, 2000.
Museo al aire libre de escultura contemporánea José Luís http://www.turismocastillalamancha.es/patrimonio/museo-al-aire-libre-de-escultura-contemporanea-jose-luis-12761/visita/
La escultura integrada de José Luis Sánchez http://www.abc.es/20100326/nacional-castilla-mancha-toledo/escultura-integrada-jose-luis-201003261755.html
 
Artistas

Benjamín Palencia

Por: Ruth Braojos

Benjamín Palencia (Barrax, 1894 – Madrid, 1980), dibujante y pintor manchego, fue una de las personalidades artísticas más relevantes del siglo XX en el marco del arte contemporáneo, dotando a su obra de un incuestionable estilo propio influenciado por las nuevas corrientes artísticas que se iban instalando en Europa a comienzos de siglo: las vanguardias. Un artista interesado en el arte de su momento, con un repertorio pictórico basado principalmente en la temática figurativa, en los retratos, y también los bodegones; pero sobre todo demostró una gran predilección por la naturaleza, por los paisajes castellanos, por lo puro. De lo más reseñable de su larga trayectoria fue la fundación de la Escuela de Vallecas en 1927, junto con el escultor toledano Alberto Sánchez.

Palencia comienza su aventura artística a la temprana edad de quince años, momento en el que se traslada a Madrid para asistir a clases de pintura impartidas por el maestro polímata Elías Tormo. Durante su joven aprendizaje, Palencia estudiará las obras de algunos de los grandes que ha dado nuestra cultura, como EL Greco, Velázquez o Goya.

En torno a 1909 realiza sus primeros óleos, apenas se conservan algunos, temprana edad en la que se denota el atrevimiento del joven artista. Sumado al autoaprendizaje y la huella personal, su obra va adquiriendo tintes realistas e impresionistas, dotada siempre de un rico colorido, como es la pintura del Atleta (1917), hombre en el que se observa una estudiada anatomía que le servirá de modelo para futuras figuraciones. Un año antes de este óleo Palencia participó el I Salón de Otoño de Madrid, momento también en el que, gracias a su amistad con el escritor Juan Ramón Jiménez, establecerá los primeros contactos del ámbito intelectual y artístico. Por su gran interés por indagar en la tierra que le rodea, en 1918 viajó al País Vasco, donde pintó una serie de paisajes como la Ría de Bilbao, o como también haría en Madrid con el paisaje urbano, La estación del Norte. En ellos la línea se aboceta, jugando con las tonalidades para dar más o menos luz a la escena, propio del impresionismo.

Autorretrato (1920)
Fuente: http://londres.cervantes.es/FichasCultura/Ficha88284_22_1.htm

Su trayectoria comienza a adquirir otra dimensión con la participación en la Exposición de la Sociedad de Artistas Ibéricos celebrada en Madrid en 1925, en la que la crítica española aclamó su obra. Durante estos años se empieza a vislumbrar en sus trabajos un creciente gusto por el movimiento cubista, debido a las tendencias artísticas que el pintor toma de las intermitentes estancias que realiza en París hasta 1928. Ejemplo es el Bodegón Cubista (1925), pintura en la que, sin dejar de lado el tema realista y costumbrista, se acompaña de la geometrización de las formas. De la experiencia parisina absorbe también algunos procedimientos plásticos, imprimiendo siempre su visión particular, y realiza lienzos de técnica mixta en los que combina el óleo, elementos matéricos como la tierra o la ceniza, y el collage, como se ve en el Retrato del escultor Alberto (1932).También en estos últimos años de los 20’, se atisban en sus óleos algunos rasgos del surrealismo que, según como dijo el propio pintor, no son producto de sus experiencias en París, sino consecuencia de su admiración por Dalí. Benjamín crea con mayor libertad expresiva, se va alejando, cada vez más, de las reglas preestablecidas.

Por otro lado, es 1927 cuando Palencia y Alberto se unen para crear la Escuela de Vallecas, con la premisa de aunar la tradición española con las vanguardias parisinas, sobre todo bajo la simbología del paisaje castellano. Años también en los que colaborará artísticamente para el Grupo de Teatro Universitario La Barraca, dirigido por Lorca.

La producción a partir de la década de los 30’ se inclina claramente hacia el surrealismo y la abstracción. Trabajos en los que Benjamín muestra su gusto por lo primigenio, lo prehistórico, con figuras extraídas de la cultura hispánica para disponerlas en el contexto rural castellano de forma onírica y realizados con materiales orgánicos, de la tierra, como se ve en Figuras (1931), Composición (1933) o Toros (1933).

Tras la Guerra Civil, periodo de crisis artística en el que Palencia permanece en Madrid, retoma la actividad de la Escuela de Vallecas, pero su estilo dará un giro brusco: vuelve a la figuración pero sin abstracción, a los retratos de campesinos, deja de lado el surrealismo, el cubismo, la experimentación. Los temas costumbristas, la naturaleza, el campo, siguen siendo protagonistas, pero sus obras durante estos años se inclinarán hacia las líneas del fauvismo, que busca el impacto cromático. Se advierte una gran carga emocional, formas con un mayor volumen de líneas suaves dentro de un marco más veraz, como se ve en su Cesta en el campo (1943), donde el objeto del primer término se mimetiza con su entorno, el protagonista real de la composición. A partir de 1946, y hasta prácticamente sus últimos años de vida, comienza ese estallido de color en sus obras, con paisajes irradiados por la luz de tonalidades inexistentes, como de igual modo ocurre con sus composiciones figurativas. Ejemplos como Niña sentada (1952), con cierto enfoque naif, o su ya tardío óleo Tierras rojas (1973), de tinte expresionista.

Son casi sesenta años de vida como pintor en los que Palencia buscó constantemente la renovación del arte de su tiempo, de su país, a través de las vanguardias. En su obra nunca faltó la manera personal en la que consideraba, y así plasmó, la tradición de su cultura, sobre todo con los paisajes castellanos llenos de sobriedad y belleza en la búsqueda de lo primigenio. En 1973 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, y cinco años más tarde recibió la medalla al mérito de Bellas Artes. En 1980 Benjamín Palencia fallecía en Madrid, a los 85 años, siendo considerado como de uno de los grandes paisajistas que ha dado nuestra cultura.

 

Fuentes:
GABRIEL Y GALÁN, SOLEDAD. Benjamín Palencia o el amor a la tierra. Cuadernos de Castilla-La Mancha, Madrid. Celeste Ediciones, D.L. 1993.
LÓPEZ CLEMENTE, GAMO SANZ. Benjamín Palencia y la pintura de su tiempo en Albacete (1909-1978). Instituto de Estudios Albacetenses “Don Juan Manuel”. Museo de Albacete, exposición 2015.
MARTÍNEZ MARTÍNEZ, MORAJADO ALONSO. Benjamín Palencia y el Arte Nuevo. Guía Didáctica. Ministerio de Educación y Cultura. Centro de Publicaciones, Secretaría General Técnica. 1996
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Portal web. Consultas: http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/benjamin-palencia-arte-nuevo-obra-1919-19364 http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/palencia-benjamin http://www.museoreinasofia.es/colección
Artistas

Antonio Saura

Por: Sandra Segovia García

Antonio Saura Atarés fue un pintor y escritor considerado uno de los mejores del siglo XX. Nació el 22 de septiembre de 1930 en Huesca y creció durante la Guerra Civil Española en Madrid, Valencia y Barcelona. Su carrera artística comienza de forma autodidacta, exponiendo sus primeras obras en Zaragoza en 1950. En 1954 se traslada a París donde prueba técnicas surrealistas y de abstracción. En 1958, un par de años después de volver a España, realiza los retratos de Brigitte Bardot. Sus obras serán influenciadas sobre todo por Velázquez y Goya. También llevará a cabo litografías y serigrafías. Deja unos años la pintura hasta 1979 prosiguiendo con sus obras gráficas y a papel. En 1977, un año antes de su muerte, será nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Castilla-La Mancha.

Antonio Saura
Fuente: http://www.auroravigil.com/es/saura/

Vivió en España durante la Guerra Civil Española y la Dictadura de Franco, por lo que el arte buscaba unas nuevas técnicas de expresión. Estos nuevos movimientos emergentes en su época se denominaban vanguardias, estas se aplicaron a todos los ámbitos, desde el arte hasta la política. El vanguardismo busca la libertad de expresión para tratar temas poco comunes. En el caso de la pintura de Antonio Saura rompe con las líneas, las formas, el espacio y los colores.

Saura comienza con la pintura surrealista, pero convierte en suya la abstracción expresiva. Esta, es una técnica espontánea con métodos creativos improvisados, con falta de estructura a la vez que ambigua; es decir, el artista lleva a cabo su creación de una manera impulsiva a través de los colores.

Antonio Saura utilizaba los colores negro y gris para reflejar su amargura y su descontento, sobre todo político y social. La gran mayoría de sus creaciones son una disección o reinterpretación de desnudos, crucifixiones y multitudes de sus principales influencias, Goya y Velázquez.

Una de estas obras es “El perro de Goya”, en el cual Saura consigue producir una cierta intranquilidad. En esta pintura solo localizamos la cabeza del perro, y dependiendo de la subjetividad del espectador esta se hunde o emerge. El autor pretendía con esta obra el espectador consiguiera conocer su soledad. En realidad, el perro no parece un perro sino un rostro deformado por manchas y borrones formando una cabeza monstruosa que llega a ser grotesca. El perro de Goya es la obra más representativa de Saura.

Otra de sus colecciones más conocidas son los “Retratos imaginarios”, sobre todo el de Brigitte Bardot. Con este cuadro comienza una de sus características más comunes, la ausencia de profundidad. La figura se alza como si de un tótem se tratase sobre un fondo homogéneo. Lo importante para Saura no es el parecido con el personaje real que está representando, sino la imagen mental que hemos imaginado.

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Saura
https://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo
“Artelandia”: http://www.artelandia.com/es/artista/antonio-saura-biografia
“El País”: http://cultura.elpais.com/cultura/2013/04/19/actualidad/1366385089_411057.html
“Con el arte en los talones”: http://conelarteenlostalones.blogspot.com.es/2014/01/el-perro-de-goya-por-saura.html
“Fundación Juan March”: http://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=8&l=1